Graças à tecnologia, a
fotografia monocromática é mais fácil hoje do que nunca. Confira seis dicas
para obter melhores resultados nas fotografias em preto e branco.
1.
Fotografe em RAW+JPEG
As melhores conversões
monocromáticos são feitas editando arquivos brutos que têm uma informação
completa de cor, mas se você fotografar em RAW e JPEG simultaneamente e definir
a câmara para o estilo monocromático Imagem / Modo de imagem de Controle / Simulação
de filme você começa uma simulação de como a imagem vai parecer em
preto e branco. Como muitos fotógrafos lutam para visualizar uma cena em preto
e branco, estes modos monocromáticos são uma ferramenta valiosa que vai ajudar
com a composição e avaliação de cena.
Hoje em dia muitas câmeras
também são capazes de produzir imagens monocromáticas decentes experimente
os parâmetros da imagem (contraste, nitidez, efeitos de filtro e tonificação)
para encontrar um olhar que você gosta.
2.Procure
formas, contrastes e texturas
As cores complementares que
trazem uma imagem a vida são todos reduzidos a tons de preto e
branco ou cinza em uma imagem monocromática, para fazer a imagem se
destacar você precisa focar no contraste das cores. Na fotografia a cores, por
exemplo, o seu olho será imediatamente atraído para um objeto vermelho em um
fundo verde, mas na fotografia monocromática estas duas áreas são suscetíveis a
ter o mesmo brilho, para que a imagem parece plana e sem brilho direto da
câmera.
Felizmente, é possível ajustar
o brilho destas duas cores separadamente para introduzir um pouco de contraste.
No entanto, um bom ponto de partida é olhar para cenas com contraste tonal.
Isto pode ser obtido pela luz ou pelo brilho dos objetos na cena, bem como as
configurações de exposição que você usa. O brilho da casca de uma árvore
por exemplo, poderia injetar um pouco de contraste em uma cena da
floresta.
3.
Tente longa exposição
Longa exposição em imagens
monocromáticas podem funcionar muito bem, especialmente em cenários onde há
água ou nuvens em movimento. Durante a exposição os destaques da água, por
exemplo, são registrados em uma área mais ampla do que seria com uma exposição
de curta e isso pode ajudar a melhorar o contraste tonal.
A indefinição do movimento também
acrescenta contraste textural com qualquer objeto sólido no quadro. Se
necessário, use um filtro de densidade neutra para reduzir a exposição e
estender a velocidade do obturador (por 10 e 4 pontos respectivamente).
4.Use
filtros
Graduado de densidade neutra
(ND grad AKA) e filtros polarizadores são úteis tanto na fotografia
monocromática quanto na colorida. Na verdade porque eles manipulam o
contraste da imagem que são indiscutivelmente mais úteis.
Um graduado ND é útil quando
você quer manter detalhes em um céu brilhante, enquanto um filtro polarizador
pode ser usado para reduzir os reflexos e aumentar o contraste. Como
alternativa, considere tomar dois ou mais disparos com exposições diferentes
para criar um composto de alta faixa dinâmica (HDR).
Se o céu for mais
brilhante do que o primeiro plano em uma foto de longa exposição não tenha medo
de usar um graduado ND com um filtro de densidade neural padrão.
Filtros coloridos, que são
ferramentas essenciais para fotógrafos de analógicas, também podem ser úteis
para a manipulação de contraste em imagens digitais. Eles trabalham escurecendo
objetos de sua cor oposta enquanto iluminanam seus próprios objetos. Um filtro
laranja, por exemplo, vai escurecer o azul do céu, enquanto um verde irá
clarear folhagem.
5.
Controle a graduação de cores
Apesar dos filtros coloridos
ainda serem usados para manipular contrastes ao fotografar imagens
digitais em preto e branco, é mais comum poupar este trabalho para a fase
de pós processamento.
Até poucos anos atrás o Channel
Mixer do Photoshop foi o meio preferido de transformar imagens em preto e
branco, mas agora Adobe Camera Raw tem ferramentas mais poderosas (na aba /
Tons de Cinza HSL) que permitem ajustar o brilho de oito cores individuais que
compõem uma imagem.
No entanto, é importante ficar
de olho em toda a imagem ao ajustar uma cor específica, como gradações
sutis podem se tornar antinatural. E o ajuste do brilho de uma camisa
vermelha ou rosa, por exemplo, terá um impacto sobre a pele do modelo, especialmente
os lábios.
6.
Dodge e Burn
Dodge e burn é uma técnica
que vem da câmara escura tradicional e normalmente é usada para queimar ou
escurecer destaques e iluminar sombras. Isso significa que você pode usar a
ferramenta Burn para escurecer destaques quando eles são muito brilhantes, ou a
ferramenta Dodge para iluminá-las para aumentar o contraste local. É uma ótima
maneira de dar um sentido de maior nitidez e melhorar a textura.
Além disso, você pode definir a
opacidade das ferramentas, construindo o seu efeito gradualmente, de modo que o
impacto seja sutil e não existam arestas duras.
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